Sinds de eerste mensen besloten hun omgeving op de een of andere manier af te beelden, is de wereld van tekenen en schilderen zich blijven ontwikkelen tot talloze stromingen en uitdrukkingsvormen. De voortdurende ontwikkeling van de manier waarop we lijnen en kleur gebruiken, zorgde voor vloedverschuivingen in de wereld van de kunst.

Er is veel geproduceerd sinds de eerste handafdrukken die op grotten werden achtergelaten. Maar van alle myriaden schilderijen springen er door de eeuwen heen enkele uit als meesterwerken. Hier een blik op enkele van 's werelds beroemdste schilderijen en waarom ze als groots worden beschouwd.

Mona Lisa

Mona Lisa van Leonardo da Vinci is misschien wel het bekendste schilderij ter wereld. Dit meesterwerk uit de renaissance wordt beschouwd als een van de hoogtepunten van de kunst. Er is beslist geen ander schilderij dat zo onderzocht, beschreven, besproken, bezocht en geliefd is als Mona Lisa.

De Mona Lisa staat bekend om haar realisme, raadselachtige trekken en gezichtsuitdrukking van een vrouw die miljarden mensen over de hele wereld heeft betoverd met haar beroemde glimlach. De driekwart pose van het onderwerp was nieuw in die tijd.

Het schilderij zelf zou een afbeelding zijn van Lisa Gherardini, een Italiaanse edelvrouw wier portret werd besteld door haar echtgenoot Francesco del Giocondo. Maar, zoals u wellicht weet, heeft het verhaal van het schilderij van Mona Lisa vele wendingen gekend en is het uiteindelijk nooit toegevallen aan de opdrachtgever van het schilderij Francesco del Gioconda.

Er werd aangenomen dat het schilderij in 1506 klaar was, maar da Vinci is er nooit echt mee gestopt. Momenteel behoort de Mona Lisa toe aan de Franse Republiek, en het wordt sinds 1797 trots tentoongesteld in het Louvre Museum in Parijs. Hoewel het een geweldig kunstwerk is, zijn kunsthistorici het erover eens dat het niet superieur is aan de andere werken van da Vinci. Zijn blijvende faam is mede te danken aan zijnunieke geschiedenis en de wendingen die het in de loop der jaren heeft gehad.

Het meisje met de parel

Het Meisje met de Parel van Johannes Vermeer is een gevierd Nederlands olieverfschilderij. Het schilderij werd voltooid in 1665 en heeft sindsdien de nieuwsgierigheid van miljoenen gegrepen door zijn eenvoud, delicate karakteristiek van het licht en de weergave van weer een raadselachtig personage.

The Girl with The Pearl Earring toont een Europees meisje dat een hoofddoek draagt, een exotisch kledingstuk dat in Nederland niet werd gedragen ten tijde van het maken van dit stuk. De verlegen maar doordringende blik van het meisje naar de kijker neemt nauwelijks de aandacht weg van haar enkele glanzende peervormige oorbel die haar gelaatstrekken siert.

Dit is Vermeers beroemdste kunstwerk, en de ware omvang van zijn meesterlijke werk werd pas zichtbaar na nauwgezette restauraties in 1994, toen nieuwe lagen van kleur en toon werden onthuld. Het Meisje met de parel heeft met recht zijn plaats verdiend op het voetstuk van de grootste kunstwerken van de mensheid. In 2014 werd het schilderij werd geveild voor meer dan 10 miljoen dollar .

Campbell's Soup Cans

Campbell's Soup Cans door Andy Warhol.

Campbell's Soup Cans van Andy Warhol is een kunstwerk dat in 1962 werd vervaardigd en een reeks doeken voorstelt met ingeblikte tomatensoepen van het bedrijf Campbell's.

Het werk zelf bestaat uit 32 kleine doeken die het geheel vormen. Niet lang nadat het werd onthuld aan het publiek, stuurde het schokgolven door de hele kunstwereld en opende het de deuren naar pop-art en industrieel design op het kunstpodium.

De betekenis achter de Campbell's Soup Cans lijkt niet te bestaan, maar toch gebruikte Andy Warhol dit stuk om zijn waardering te tonen voor de gewone cultuur en de moderniteit die in de kunst vaak werd genegeerd.Warhol koos er bewust voor om het stuk niet te voorzien van enige voorstelling van emotioneel of sociaal commentaar.De Cans zijn bestempeld als een belediging voor de kunst, maar ze zijn ook geprezen als de brengers van het tijdperk vanpop-art en industrieel design.

De Sterrennacht

De Sterrennacht van Vincent van Gogh werd geschilderd in 1889 en toont een prachtig uitzicht gezien vanuit een raam van een asielkamer vlak voor zonsopgang. Het schilderij is een enigszins geromantiseerde en gestileerde weergave van het uitzicht dat Vincent van Gogh ervoer.

Van Gogh gebruikt een kunstmatig kleurenpalet met korte penseelstreken, die het schilderij een etherische, buitenwereldse uitstraling geven en de kijker boeien. Er is ook veel aandacht voor luminescentie. De vloeiende dynamiek van het schilderij, weergegeven door de turbulente wervelingen, voegt beweging toe en brengt emotie over.

Sterrennacht vangt de rauwe, spiralende, pulserende emoties van Vincent van Gogh, een verontrustende en getroebleerde 19e-eeuwse kunstenaar. Het schilderij beeldt een serene rustige scène af, maar de context van het ontstaan is niets van dat alles. Van Gogh maakte het schilderij in een gesticht nadat hij zijn linkeroor had verminkt als gevolg van een mentale inzinking.

Interessant is dat Van Gogh zijn sterrennacht altijd als een artistieke mislukking beschouwde, zonder te weten dat het ooit een van de meest vereerde kunstwerken in de menselijke geschiedenis zou worden. Vandaag de dag is het schilderij meer dan 100 miljoen dollar waard.

Indruk, zonsopgang

Impressie, zonsopgang door Monet. Publiek domein.

Impression, Sunrise werd in 1872 geschilderd door Claude Monet en luidde meteen een nieuw tijdperk van de schilderkunst in. Voor zo'n monumentaal werk toont het luie wateren en een industrieel landschap op de mistige achtergrond, en vissers in hun boten met de gloeiend rode zon die het tafereel overziet als het boven de horizon uitkomt.

Het schilderij kreeg alles behalve lof en werd door de meeste kunstenaars uit die tijd scherp veroordeeld omdat zij het onvolwassen en amateuristisch vonden. De critici uit die tijd gebruikten de naam van het schilderij zelfs om een groep kunstenaars die in een soortgelijke stijl schilderden een etiket op te plakken, waardoor zij en hun nieuwe beweging de beroemde naam kregen: Impressionisme .

Monet zou later over het schilderij zeggen: "Een landschap is slechts een indruk, ogenblikkelijk, vandaar het etiket dat ze ons gegeven hebben - allemaal door mij trouwens. Ik had iets ingediend vanuit mijn raam in Le Havre, zonlicht in de mist met een paar masten op de voorgrond die boven de schepen beneden uitsteken. Ze wilden een titel voor de catalogus; het kon niet echt doorgaan voor een uitzicht op Le Havre, dus ik...antwoordde: "Zet Impression neer." Daaruit ontstond impressionisme, en de grappen woekerden ...."

Het impressionisme veranderde de thematische context in de schilderkunst volledig. In plaats van stijve en levenloze taferelen af te beelden, richtte het zich op kleur, emotie en energie van de objecten op het doek. En het was Impression, Sunrise die de bal aan het rollen bracht.

Guernica

Reproductie van Guernica met mozaïektegels

Guernica wordt vaak beschouwd als het beroemdste schilderij van Pablo Picasso en is waarschijnlijk een van zijn meest persoonlijk pijnlijke kunstwerken. Het wordt algemeen beschouwd als een van de grootste artistieke anti-oorlogsuitspraken ooit op een doek gezet.

Picasso was ontzet over het terloopse bombardement op Guernica, een kleine stad in Baskenland in Noord-Spanje, door nazi-troepen met medewerking van de Spaanse nationalisten en het fascistische Italië. Hij schilderde Guernica onmiddellijk als reactie op het bombardement.

Het schilderij is duidelijk een politiek stuk en het bracht wereldwijde aandacht voor de gebeurtenissen in Spanje. Vandaag de dag hangt een groot wandtapijt van Guernica in het hoofdkwartier van de Verenigde Naties in New York City, bij de ingang van de zaal van de Veiligheidsraad.

Hoewel niet volledig bevestigd, verklaren sommige diplomaten dat het schilderij werd bedekt tijdens de aankondiging door de regering-Bush van hun motieven en argumenten voor de oorlog tegen Irak, zodat het schilderij met zijn anti-oorlogsboodschap niet op de achtergrond te zien zou zijn.

Guernica bevindt zich in Madrid, waar het al tientallen jaren wordt tentoongesteld. De waarde ervan wordt geschat op ongeveer 200 miljoen dollar.

De grote golf bij Kanagawa

De grote golf bij Kanagawa door Katushika Hokusai. Publiek domein.

The Great Wave Off Kanagawa is een 19e-eeuwse prent op houtsnede van de Japanse kunstenaar Hokusai. De prent toont een gigantische golf die drie kleine bootjes bedreigt vlak voor de kust bij de berg Fiji die op de achtergrond te zien is.

Sommige kunsthistorici geloven dat het schilderij een tsunami voorstelt, een gevreesde natuurkracht in de Japanse cultuur, maar anderen beweren dat dit niet de boodschap van het schilderij is. Het schilderij wordt nog steeds beschouwd als een van de grootste, zo niet de grootste, artistieke bijdrage van Japan aan de mensheid.

De Grote Golf van Kanagawa is ook onderdeel geworden van de popcultuur, en heeft zijn eigen emoji!

Het Zwarte Plein

Het Zwarte Plein door Kazimir Malevich. Publiek domein.

Het Zwarte Vierkant is een schilderij van Kazimir Malevich, zowel geliefd als veracht in de kunstwereld. Het toont een enkel zwart vierkant op doek. Het stuk werd getoond op de Laatste Futuristische Tentoonstelling in 1915. Uiteraard veroorzaakte het schilderij van een zwart vierkant veel verwarring in de kunstwereld.

Malevich merkte op dat zijn zwarte vierkant een commentaar is op het nulpunt, het niets waaruit alles begint, en het niets waaruit de schepping voortkomt, waarbij hij de niet-objectiviteit en de witte leegte van een bevrijd niets uitbeeldt.

Vandaag is het schilderij scheuren gaan vertonen, waarbij kleuren door de scheuren heen komen. Röntgenanalyse heeft uitgewezen dat er een onderliggende afbeelding is die onder het zwarte vierkant ligt.

De Kus

De Kus door Gustav Klimt. Publiek domein.

De Kus is een beroemd schilderij van de Oostenrijkse symbolistische schilder Gustav Klimt en een van de meest herkenbare kunstwerken ter wereld. Deze olieverf op doek is misschien wel een van de grootste voorstellingen van de liefde in de geschiedenis van de schilderkunst, met een paar dat elkaar in een innige omhelzing vasthoudt. Het markeerde het einde van Klimts Gouden Periode, waarin hij bladgoud in zijn kunstwerken opnam.

De gemengde emoties in het schilderij zijn mede verantwoordelijk voor de blijvende aantrekkingskracht, want de gezichtsuitdrukking van de vrouw impliceert zowel verlatenheid als verrukking, rust en extase. De gewaden van de man, met geometrische blokken in zwart en grijs, impliceren zijn macht en de dominante mannelijke kracht, terwijl de zachtere wervelingen en de jurk met bloemmotieven van de vrouw haar vrouwelijkheid benadrukken,breekbaarheid en zachtheid.

Het schilderij werd inspirerend in de Art Nouveau periode, en tot op de dag van vandaag wordt het beschouwd als een meesterwerk, vooral wat betreft de invloed ervan op de ontwikkeling van kunst, mode en design.

Het Laatste Avondmaal

Laatste Avondmaal door Leonardo da Vinci. PD.

Het laatste avondmaal is een meesterwerk van Leonardo da Vinci uit de Hoog-Renaissance, gevonden in Milaan. Deze 15-eeuwse muurschildering verbeeldt het laatste avondmaal van Jezus en zijn 12 discipelen. Hoewel de schildering op een muur is aangebracht, is het geen fresco. In plaats daarvan gebruikte da Vinci een vernieuwende nieuwe techniek door temperaverf op de steen van de muur te gebruiken.

Het perspectief van het schilderij is een deel van wat het zo aantrekkelijk maakt. Da Vinci bond naar verluidt een touwtje aan een spijker die in het midden van de muur was geslagen om de lijnen van de scherptediepte te creëren. Zo kon hij een enkel perspectief vaststellen, met Jezus als verdwijnpunt.

Zoals met veel van zijn schilderijen worstelde Da Vinci met het Laatste Avondmaal, waarbij hij naar verluidt moeite had om het schurkachtige gezicht van Judas af te beelden. Hij wilde zich concentreren op het moment waarop Jezus onthult dat een van zijn discipelen hem zou verraden, en de geschokte reacties die daarop volgden. Da Vinci werkte jaren aan en af aan het werk om perfectie te bereiken.

Zonnebloemen

Zonnebloemen door Vincent van Gogh. PD.

Zonnebloemen zijn een ander geniaal werk van de Nederlandse schilder Vincent van Gogh, die in 1887 werkte aan een serie zonnebloemschilderijen. Zijn meest opmerkelijke toont een arrangement van een boeket zonnebloemen terwijl ze lui in een vaas zitten.

Zoals bij de meeste van zijn andere schilderijen is het verhaal achter Zonnebloemen nogal duister. Van Gogh schilderde ze om indruk te maken op zijn collega-schilder Gaugin, die op bezoek was. Van Gogh ging zelfs zover dat hij een hele serie schilderijen van zonnebloemen maakte, waarop hij ze in alle stadia van het leven afbeeldde, van vroege bloei tot verwelking en verrotting. Dit is misschien wel Van Gogh's bekendste serie schilderijen en werden beschouwd alsbaanbrekend door hun gebruik van het spectrum van gele tinten, mogelijk gemaakt door recent uitgevonden pigmenten.

De serie Zonnebloemen kon de gespannen relatie tussen Gaugin en Van Gogh niet herstellen en hun bittere ruzie leidde tot Van Gogh's instorting en de tragische daad van zelfverminking door zijn eigen oor af te snijden.

American Gothic

American Gothic door Grant Wood. PD.

American Gothic is een schilderij van de Amerikaanse schilder Grant Wood uit 1930, dat een Amerikaans gotisch huis voorstelt en de mensen die Grant zich voorstelde in zulke huizen te wonen.

Wood beeldt op zijn schilderij twee figuren af - een boer, die een scherpe hooivork vasthoudt, en zijn dochter (vaak ten onrechte gezien als zijn vrouw). De figuren zijn zeer opvallend en serieus van uiterlijk en gekleed volgens de tijd, waarbij de dochter 20e-eeuwse landelijke Americana kleding draagt.

Tijdens de Grote Depressie werden de figuren de volhardende, sterke Amerikaanse pioniersgeest. Er zijn ook vele andere interpretaties van het schilderij, waarbij sommige geleerden suggereren dat het de Romeinse godheden Pluto en Proserpina (Grieks equivalent Hades en Persephone) voorstelt, terwijl anderen speculeren dat het Wood's eigen ouders voorstelt.

Samenstelling 8

Compositie 8 van Wassily Kandinsky is een olie-op-canvas schilderij uit 1923. Het toont een arrangement van cirkels, lijnen, driehoeken en verschillende geometrische vormen op een achtergrond van crème smeltend in gebieden van lichtblauw. Het wordt beschouwd als een ode aan een universele esthetische taal die Kandinsky inspireerde om zijn eigen stijl te ontwikkelen.

Compositie 8 spreekt in eenvoudige vormen en verheft de abstracte avant-gardistische stijl van Kandinsky. De schilder zelf beschouwde het als een van zijn hoogste prestaties,

Het plafond van de Sixtijnse Kapel

Plafond van de Sixtijnse Kapel door Michelangelo

Het plafond van de Sixtijnse Kapel, geschilderd door Michelangelo, is een van de grootste meesterwerken en een hoogtepunt van de hoge Renaissance kunst. Het werk werd gemaakt in opdracht van Paus Julius II en werd geschilderd tussen 1508 en 1512.

Het plafond is versierd met meerdere scènes uit het boek Genesis, samen met afbeeldingen van verschillende pausen. Het staat bekend om Michelangelo's vaardigheid in het weergeven van menselijke figuren in verschillende poses en zijn keuze voor het gebruik van naakte figuren. Dit echoot in de latere ontwikkelingen waar naaktheid in de schilderkunst werd gebruikt als een middel om emoties over te brengen.

De Sixtijnse Kapel is een van de populairste bezienswaardigheden in het Vaticaan en trekt elk jaar massa's toeristen. Het is echter verboden foto's te maken van het plafond, omdat de flitsen van camera's schadelijk kunnen zijn voor de kunstwerken.

De hardnekkigheid van het geheugen

The Persistence of Memory door Salvador Dali. PD.

The Persistence of Memory is een schilderij uit 1931 van Salvador Dali dat een van de bekendste werken van het surrealisme is geworden. Het schilderij wordt ook wel "Melting Clocks" of "The Melting Watches" genoemd.

Het werk toont een surrealistische scène, met verschillende klokken die in verschillende stadia van smelten zijn afgebeeld. Dali geeft commentaar op de relativiteit van ruimte en tijd door de smeltende, zachte horloges in het schilderij af te beelden. In het midden van de afbeelding staat een vreemd monsterachtig wezen, dat Dali vaak als een vorm van zelfportret gebruikte. Als je goed kijkt, kun je de wimpers, neus, oog en misschien de tong zien vanDe oranje klok in de linkerhoek is bedekt met mieren, een symbool dat Dali vaak gebruikte om verval voor te stellen.

Inpakken

De bovenstaande lijst van schilderijen zijn artistieke meesterwerken van ongekende genialiteit en creativiteit. Hoewel sommige werden verguisd en bekritiseerd door anderen, daagden ze allemaal de dogma's van hun tijd uit. Ze waren vernieuwend, gaven menselijke emoties en complexe gevoelens en gedachten weer. Het belangrijkste is dat ze tot op de dag van vandaag relevant zijn. Welke is jouw favoriet?