Desde que los primeros seres humanos decidieron empezar a representar su entorno de una u otra manera, el mundo del dibujo y la pintura no ha dejado de evolucionar en innumerables movimientos y formas de expresión. La constante evolución de la forma de utilizar las líneas y el color ha creado cambios vertiginosos en el mundo del arte.

Se ha producido mucho desde las primeras huellas de manos que se dejaron en las cuevas. Sin embargo, de todas las miríadas de pinturas, algunas destacan como obras maestras a lo largo de los tiempos. A continuación, echamos un vistazo a algunas de las pinturas más famosas del mundo y a las razones por las que se consideran grandes.

Mona Lisa

La Mona Lisa de Leonardo da Vinci es quizás el cuadro más conocido del mundo. Esta obra maestra del Renacimiento está considerada como una de las cumbres del arte. Definitivamente, es difícil encontrar otro cuadro sobre el que se haya investigado, escrito, debatido, visitado y querido tanto como la Mona Lisa.

Conocida por su realismo, sus enigmáticos rasgos y la expresión facial de una mujer que ha encantado a miles de millones de personas en todo el mundo con su famosa sonrisa, la Mona Lisa atrae con su mirada penetrante y a la vez suave.

Se supone que el cuadro en sí es una representación de Lisa Gherardini, una noble italiana cuyo retrato fue encargado por su marido Francesco del Giocondo. Pero, como ya sabrá, la historia del cuadro de Mona Lisa dio muchas vueltas y nunca acabó perteneciendo al encargado del cuadro Francesco del Gioconda.

Se cree que el cuadro se terminó en 1506, pero da Vinci nunca dejó de trabajar en él. Actualmente, la Mona Lisa pertenece a la República Francesa, y se exhibe con orgullo en el Museo del Louvre de París desde 1797. Sin embargo, aunque es una gran obra de arte, los historiadores del arte coinciden en que no es superior a las demás obras de da Vinci. Su fama duradera se ha visto favorecida por suhistoria única y los giros que ha tenido a lo largo de los años.

La chica del pendiente de perla

La joven con el pendiente de perla, de Johannes Vermeer, es una célebre obra maestra al óleo holandesa. El cuadro fue terminado en 1665 y desde entonces ha cautivado la curiosidad de millones de personas por su sencillez, la delicada característica de la luz y la representación de otro personaje enigmático.

La chica del pendiente de perla representa a una chica europea con un pañuelo en la cabeza, una prenda exótica que no se usaba en los Países Bajos en la época en que se realizó esta obra. La mirada tímida y a la vez penetrante de la chica hacia el espectador apenas desvía la atención de su único y brillante pendiente en forma de pera que decora sus rasgos faciales.

Esta es la obra de arte más famosa de Vermeer, y el verdadero grado de su magistral trabajo sólo fue visible después de meticulosas restauraciones en 1994, cuando se revelaron nuevas capas de color y tono. La muchacha con el pendiente de perla se ha ganado por derecho su lugar en el pedestal de las más grandes obras de arte de la humanidad. En 2014, el cuadro fue subastado por más de 10 millones de dólares .

Latas de sopa Campbell's

Latas de sopa Campbell de Andy Warhol.

Campbell's Soup Cans, de Andy Warhol, es una obra de arte realizada en 1962 que representa una serie de lienzos en los que se muestran sopas de tomate en lata de la empresa Campbell's.

La obra en sí está formada por 32 pequeños lienzos que componen la totalidad de la pieza. Poco después de ser revelada al público, provocó una conmoción en todo el mundo del arte y abrió las puertas al arte pop y al diseño industrial en el escenario del arte.

El significado detrás de las latas de sopa Campbell aparentemente no existe, sin embargo Andy Warhol utilizó esta pieza para mostrar su aprecio por la cultura ordinaria y la modernidad que a menudo era ignorada en el arte.Warhol eligió a propósito no infundir la pieza con ninguna representación de comentario emocional o social. Las latas han sido etiquetadas como una ofensa al arte, pero también han sido alabadas como las portadoras de la era deel arte pop y el diseño industrial.

La noche estrellada

La noche estrellada, de Vincent van Gogh, fue pintada en 1889 y representa una impresionante vista desde la ventana de una habitación de asilo justo antes del amanecer. El cuadro es una representación algo romántica y estilizada de la vista experimentada por Vincent van Gogh.

Van Gogh utiliza una paleta de colores artificiales con pinceladas cortas, lo que confiere al cuadro un aspecto etéreo y de otro mundo, que cautiva al espectador. También hay un fuerte enfoque en la luminiscencia. La dinámica fluida del cuadro, representada a través de los remolinos turbulentos, añade movimiento y transmite emoción.

La Noche estrellada capta las emociones crudas, espirales y palpitantes de Vincent van Gogh, un artista del siglo XIX problemático y con problemas. El cuadro representa una escena tranquila y serena, pero el contexto de su creación no tiene nada que ver con eso. Van Gogh realizó el cuadro en un manicomio después de haberse mutilado la oreja izquierda como consecuencia de una crisis mental.

Curiosamente, Van Gogh siempre consideró su noche estrellada como un fracaso artístico, sin saber que un día se convertiría en una de las obras de arte más veneradas de la historia de la humanidad. Hoy en día el cuadro está valorado en más de 100 millones de dólares.

Impresión, Amanecer

Impresión, Amanecer de Monet. Dominio público.

Impresión, Amanecer fue pintada en 1872 por Claude Monet. Inmediatamente marcó el comienzo de una nueva era de la pintura. Para ser una obra tan monumental, representa aguas perezosas y un paisaje industrial en el fondo de niebla, y pescadores en sus barcos con el sol rojo resplandeciente dominando la escena mientras se eleva sobre el horizonte.

El cuadro recibió de todo menos elogios y fue brutalmente denunciado por la mayoría de los artistas de la época que lo consideraron inmaduro y amateur. Los críticos de la época incluso utilizaron el nombre del cuadro para etiquetar a un grupo de artistas que pintaban en un estilo similar, dándoles a ellos y a su nuevo movimiento el famoso nombre: Impresionismo .

Monet diría más tarde sobre el cuadro: "Un paisaje no es más que una impresión, instantánea, de ahí la etiqueta que nos han puesto, y todo por mi culpa. Había presentado algo hecho desde mi ventana de El Havre, con la luz del sol en la niebla y unos cuantos mástiles en primer plano sobresaliendo de los barcos de abajo. Querían un título para el catálogo; no podía pasar realmente como una vista de El Havre, así querespondió: "Poner la impresión". De ahí salió el impresionismo, y los chistes proliferaron...."

El Impresionismo cambió por completo el contexto temático de la pintura. En lugar de representar escenas rígidas y sin vida, se centró en el color, la emoción y la energía de los objetos en el lienzo. Y fue la Impresión, Amanecer la que puso el balón en movimiento.

Guernica

Reproducción del Guernica con mosaicos

El Guernica se considera a menudo el cuadro más famoso de Pablo Picasso y es probablemente una de sus obras de arte más dolorosas desde el punto de vista personal. Está ampliamente considerado como una de las mayores declaraciones artísticas contra la guerra jamás plasmadas en un lienzo.

Picasso, horrorizado por el bombardeo casual de Guernica, una pequeña ciudad del País Vasco en el norte de España, por parte de las fuerzas nazis con la colaboración de los nacionalistas españoles y la Italia fascista, pintó inmediatamente Guernica como reacción al bombardeo.

El cuadro es, obviamente, una obra política y atrajo la atención mundial sobre los acontecimientos que se estaban produciendo en España. Hoy en día, una gran copia en tapiz del Guernica cuelga en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York, justo a la entrada de la sala del Consejo de Seguridad.

Aunque no está totalmente confirmado, algunos diplomáticos afirman que el cuadro fue cubierto durante el anuncio de la administración Bush sobre sus motivos y argumentos para la guerra contra Irak, para que el cuadro con su mensaje antibélico no se viera en el fondo.

El Guernica se encuentra en Madrid, donde se expone desde hace décadas, y se calcula que está valorado en unos 200 millones de dólares.

La gran ola de Kanagawa

La gran ola de Kanagawa de Katushika Hokusai, dominio público.

La Gran Ola frente a Kanagawa es un grabado del siglo XIX realizado en una plancha de madera por el artista japonés Hokusai. El grabado representa una ola gigantesca que amenaza a tres pequeñas embarcaciones frente a la costa cercana al monte Fiyi que se muestra al fondo.

Algunos historiadores del arte creen que el cuadro representa un tsunami, una fuerza de la naturaleza bastante temida en la cultura japonesa, pero otros afirman que éste no es el mensaje del cuadro. El cuadro sigue considerándose una de las mayores, si no la mayor, contribución artística de Japón a la humanidad.

La Gran Ola de Kanagawa también se ha convertido en parte de la cultura pop, ¡y tiene su propio emoji!

El cuadrado negro

El cuadrado negro de Kazimir Malevich, dominio público.

El cuadrado negro es un cuadro de Kazimir Malevich, amado y despreciado a la vez en el mundo del arte. Muestra un único cuadrado negro sobre un lienzo. La obra se expuso en la Última Exposición Futurista de 1915. Naturalmente, la pintura de un cuadrado negro causó mucha confusión en el mundo del arte.

Malevich comentó que su cuadrado negro es un comentario sobre el cero, la nada de la que parte todo, y la nada de la que surge la creación que representa la no objetividad y el vacío blanco de una nada liberada.

En la actualidad, la pintura ha empezado a presentar grietas, mostrando los colores que salen a través de las grietas. El análisis de rayos X ha revelado que hay una imagen subyacente que se encuentra debajo del cuadrado negro.

El beso

El beso de Gustav Klimt. Dominio público.

El beso es un famoso cuadro del pintor simbolista austriaco Gustav Klimt y una de las obras de arte más reconocidas del mundo. Este óleo sobre lienzo es quizás una de las mayores representaciones del amor en la historia de la pintura, ya que retrata a una pareja abrazándose profundamente. Marcó el final del periodo dorado de Klimt, que vio la inclusión de pan de oro en sus obras de arte.

La mezcla de emociones que muestra el cuadro es parte de lo que ha contribuido a su perdurable atractivo, ya que la expresión facial de la mujer implica abandono, así como deleite, tranquilidad y éxtasis. Los ropajes del hombre, con bloques geométricos en negro y gris, implican su poder y la fuerza masculina dominante, mientras que los remolinos más suaves de la mujer y el vestido con motivos florales enfatizan su feminidad,fragilidad y suavidad.

El cuadro se convirtió en fuente de inspiración en el periodo Art Nouveau, y hasta el día de hoy se considera una obra maestra, especialmente por su influencia en el desarrollo del arte, la moda y el diseño.

La última cena

Última Cena de Leonardo da Vinci. PD.

La Última Cena es una obra maestra del mural del Alto Renacimiento de Leonardo da Vinci que se encuentra en Milán. Este mural del siglo XV representa la última cena de Jesús y sus 12 discípulos. Aunque la pintura se encuentra en una pared, no es un fresco, sino que da Vinci utilizó una técnica innovadora al usar pinturas al temple sobre la piedra de la pared.

La perspectiva del cuadro es parte de lo que lo hace tan atractivo. Se dice que Da Vinci ató un trozo de cuerda a un clavo clavado en el centro de la pared para crear las líneas de profundidad de campo, lo que le permitió establecer una perspectiva única, con Jesús como punto de fuga.

Al igual que con muchos de sus cuadros, da Vinci tuvo dificultades con la Última Cena, ya que supuestamente tuvo problemas al intentar representar el rostro villano de Judas. Quería centrarse en el momento en que Jesús revela que uno de sus discípulos le traicionaría, y en las reacciones de sorpresa que se produjeron tras esta declaración. Da Vinci pasó años trabajando en la obra para lograr la perfección.

Girasoles

Girasoles por Vincent van Gogh. PD.

Los girasoles son otra de las obras geniales del pintor holandés Vincent van Gogh, que trabajó en una serie de cuadros de girasoles en 1887. Su obra más notable representa la disposición de un ramo de girasoles sentados perezosamente en un jarrón.

Como la mayoría de sus otros cuadros, la historia que hay detrás de Los girasoles es bastante oscura. Van Gogh los pintó para impresionar a su colega pintor Gaugin, que estaba de visita. Van Gogh llegó a hacer toda una serie de cuadros de girasoles, representándolos en todas las etapas de la vida, desde la floración temprana hasta el marchitamiento y la putrefacción. Esta es quizás la serie de cuadros más conocida de Van Gogh y fueron consideradosinnovadores por su uso del espectro de tonalidades amarillas, posible gracias a los pigmentos que se habían inventado recientemente.

La serie de los Girasoles no arregló la tensa relación entre Gaugin y Van Gogh, y sus amargas discusiones llevaron a Van Gogh a una crisis nerviosa y al trágico acto de automutilación cortándose la oreja.

Gótico americano

American Gothic de Grant Wood. PD.

American Gothic es un cuadro realizado por el pintor estadounidense Grant Wood en 1930, que representa una casa gótica americana y a las personas que Grant imaginaba que vivirían en esas casas.

Wood representa en su cuadro a dos figuras: un granjero, que sostiene una afilada horquilla, y su hija (que a menudo se confunde con su esposa). Las figuras tienen un aspecto muy llamativo y serio y van vestidas de acuerdo con la época, y la hija lleva ropa rural americana del siglo XX.

Durante la Gran Depresión, las figuras llegaron a representar el perseverante y fuerte espíritu pionero estadounidense. También ha habido muchas otras interpretaciones del cuadro, ya que algunos estudiosos sugieren que representa a las deidades romanas Plutón y Proserpina (el equivalente griego de Hades y Perséfone), mientras que otros especulan con que se trata de los propios padres de Wood.

Composición 8

La Composición 8 de Wassily Kandinsky es una pintura al óleo sobre lienzo que data de 1923. Representa una disposición de círculos, líneas, triángulos y diferentes formas geométricas sobre un fondo de color crema que se funde con regiones de color azul claro. Se considera una oda a un lenguaje estético universal que inspiró a Kandinsky para desarrollar su propio estilo.

La Composición 8 habla de formas simples y eleva el estilo abstracto de vanguardia de Kandinsky. El propio pintor la consideraba uno de sus mayores logros,

El techo de la Capilla Sixtina

Techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel

El techo de la Capilla Sixtina pintado por Miguel Ángel es una de las mayores obras maestras y una cumbre del arte del Alto Renacimiento. La obra fue encargada por el Papa Julio II y se pintó entre 1508 y 1512.

El techo está decorado con múltiples escenas del Libro del Génesis junto con representaciones de varios papas. Es conocido por mostrar la habilidad de Miguel Ángel en la representación de figuras humanas en diferentes poses y su elección de utilizar figuras desnudas, lo que tuvo eco en los desarrollos posteriores en los que la desnudez en la pintura se utilizó como una herramienta de transmisión de emociones.

La Capilla Sixtina es uno de los lugares turísticos más populares del Vaticano y atrae a multitud de turistas cada año. Sin embargo, está prohibido hacer fotos del techo, ya que los flashes de las cámaras pueden ser perjudiciales para las obras de arte.

La persistencia de la memoria

La persistencia de la memoria de Salvador Dalí. PD.

La persistencia de la memoria es un cuadro de 1931 de Salvador Dalí que se ha convertido en una de las obras más conocidas del surrealismo. El cuadro se conoce a veces como "Los relojes que se derriten" o "Los relojes que se derriten".

La obra presenta una escena surrealista, con varios relojes representados en varias etapas de fusión. Dalí comenta la relatividad del espacio y el tiempo, representando los relojes derretidos y suaves en la pintura. En el centro de la imagen hay una extraña criatura parecida a un monstruo, empleada a menudo por Dalí como una forma de autorretrato. Si se mira de cerca, se pueden ver las pestañas, la nariz, el ojo y quizás la lengua deEl reloj naranja de la esquina izquierda está cubierto de hormigas, un símbolo que Dalí utiliza a menudo para representar la decadencia.

Conclusión

La lista anterior de pinturas son obras maestras artísticas de una genialidad y creatividad sin parangón. Aunque algunas fueron vilipendiadas y criticadas por otros, todas desafiaron los dogmas de su época. Fueron innovadoras, mostrando emociones humanas y complejos sentimientos y pensamientos. Y lo más importante, siguen siendo relevantes hasta el día de hoy. ¿Cuál es su favorita?