Seitdem die ersten Menschen beschlossen haben, ihre Umgebung auf die eine oder andere Weise darzustellen, hat sich die Welt des Zeichnens und Malens ständig weiterentwickelt und zahllose Bewegungen und Ausdrucksformen hervorgebracht. Die ständige Weiterentwicklung der Art und Weise, wie wir Linien und Farben verwenden, hat die Welt der Kunst verändert.

Seit den ersten Handabdrücken, die in Höhlen hinterlassen wurden, sind viele Gemälde entstanden. Doch unter all den unzähligen Gemälden ragen einige als Meisterwerke aus der Geschichte heraus. Hier ein Blick auf einige der berühmtesten Gemälde der Welt und warum sie als großartig gelten.

Mona Lisa

Mona Lisa von Leonardo da Vinci ist vielleicht das bekannteste Gemälde der Welt. Dieses Meisterwerk der Renaissance gilt als einer der Höhepunkte der Kunst. Es gibt wohl kaum ein anderes Gemälde, über das so viel geforscht, geschrieben, debattiert, besichtigt und geliebt wurde wie Mona Lisa.

Die Mona Lisa ist bekannt für ihren Realismus, ihre rätselhaften Züge und den Gesichtsausdruck einer Frau, die mit ihrem berühmten Lächeln Milliarden von Menschen auf der ganzen Welt verzaubert hat, und besticht durch ihren durchdringenden und doch sanften Blick. Die Dreiviertel-Pose des Motivs war damals neu.

Das Gemälde selbst soll Lisa Gherardini darstellen, eine italienische Adelige, deren Porträt von ihrem Ehemann Francesco del Giocondo in Auftrag gegeben wurde. Aber wie Sie vielleicht wissen, hat die Geschichte des Gemäldes von Mona Lisa viele Wendungen genommen und gehörte am Ende nie dem Auftraggeber des Gemäldes Francesco del Gioconda.

Es wurde angenommen, dass das Gemälde 1506 fertiggestellt wurde, aber da Vinci hat nie wirklich aufgehört, daran zu arbeiten. Gegenwärtig ist die Mona Lisa im Besitz der Französischen Republik und wird seit 1797 stolz im Louvre-Museum in Paris ausgestellt. Obwohl es ein großartiges Kunstwerk ist, sind sich Kunsthistoriker einig, dass es den anderen Werken von da Vinci nicht überlegen ist. Sein anhaltender Ruhm wurde durch seineeinzigartige Geschichte und die Wendungen, die sie im Laufe der Jahre genommen hat.

Das Mädchen mit dem Perlenohrring

Das Mädchen mit dem Perlenohrring von Johannes Vermeer ist ein berühmtes holländisches Ölgemälde, das 1665 fertiggestellt wurde und seither mit seiner Schlichtheit, der zarten Charakteristik des Lichts und der Darstellung eines weiteren rätselhaften Charakters die Neugierde von Millionen von Menschen gefesselt hat.

Das Mädchen mit dem Perlenohrring zeigt ein europäisches Mädchen, das ein Kopftuch trägt, ein exotisches Kleidungsstück, das zur Zeit der Entstehung dieses Werks in den Niederlanden nicht getragen wurde. Der schüchterne, aber durchdringende Blick des Mädchens auf den Betrachter lenkt die Aufmerksamkeit kaum von ihrem einzigen glänzenden birnenförmigen Ohrring ab, der ihre Gesichtszüge ziert.

Es ist Vermeers berühmtestes Kunstwerk, und das wahre Ausmaß seiner meisterhaften Arbeit wurde erst nach einer sorgfältigen Restaurierung im Jahr 1994 sichtbar, als neue Farb- und Tonschichten zum Vorschein kamen. Das Mädchen mit dem Perlenohrring hat sich seinen Platz auf dem Sockel der größten Kunstwerke der Menschheit zu Recht verdient. 2014 wurde das Gemälde wurde für über 10 Millionen Dollar versteigert .

Campbell's-Suppendosen

Campbell's Soup Cans von Andy Warhol.

Campbell's Soup Cans von Andy Warhol ist ein 1962 entstandenes Kunstwerk, das eine Reihe von Leinwänden mit Tomatensuppen in Dosen der Firma Campbell's zeigt.

Das Werk selbst besteht aus 32 kleinen Leinwänden, die das Gesamtwerk bilden, das schon kurz nach seiner Enthüllung die gesamte Kunstwelt erschütterte und der Pop Art und dem Industriedesign die Türen zur Kunstbühne öffnete.

Die Bedeutung der Campbell's Soup Cans scheint nicht zu existieren, doch Andy Warhol nutzte dieses Werk, um seine Wertschätzung für die Alltagskultur und die Moderne zu zeigen, die in der Kunst oft ignoriert wird. Warhol entschied sich bewusst dafür, das Werk nicht mit einer Darstellung emotionaler oder sozialer Kommentare zu versehen.Pop Art und Industriedesign.

Die sternenklare Nacht

Die Sternennacht von Vincent van Gogh wurde 1889 gemalt und zeigt einen atemberaubenden Blick aus dem Fenster eines Asylbewerberheims kurz vor Sonnenaufgang. Das Gemälde ist eine etwas romantisierte und stilisierte Darstellung des von Vincent van Gogh erlebten Ausblicks.

Van Gogh verwendet eine künstliche Farbpalette mit kurzen Pinselstrichen, die dem Gemälde ein ätherisches, jenseitiges Aussehen verleihen, das den Betrachter in seinen Bann zieht. Die fließende Dynamik des Gemäldes, die durch die turbulenten Wirbel dargestellt wird, sorgt für Bewegung und vermittelt Emotionen.

Die Sternennacht fängt die rauen, aufgewühlten und pulsierenden Emotionen von Vincent van Gogh ein, einem Künstler des 19. Das Gemälde zeigt eine heitere, ruhige Szene, aber der Kontext, in dem es entstanden ist, ist ganz anders. Van Gogh malte das Bild in einer Anstalt, nachdem er sein linkes Ohr infolge eines Nervenzusammenbruchs verstümmelt hatte.

Interessanterweise betrachtete Van Gogh seine Sternennacht immer als künstlerischen Misserfolg, ohne zu ahnen, dass sie eines Tages zu einem der am meisten verehrten Kunstwerke der Menschheitsgeschichte werden würde. Heute ist das Bild weit über 100 Millionen Dollar wert.

Impression, Sonnenaufgang

Impression, Sonnenaufgang von Monet, gemeinfrei.

Impression, Sonnenaufgang wurde 1872 von Claude Monet gemalt und leitete sofort eine neue Ära der Malerei ein. Für ein so monumentales Werk zeigt es ruhige Gewässer und eine Industrielandschaft im nebligen Hintergrund sowie Fischer in ihren Booten, während die glühend rote Sonne die Szene überblickt, wenn sie über den Horizont steigt.

Das Gemälde wurde alles andere als gelobt und von den meisten Künstlern der Zeit, die es als unreif und dilettantisch betrachteten, brutal angeprangert. Die Kritiker jener Zeit benutzten den Namen des Gemäldes sogar, um eine Gruppe von Künstlern zu bezeichnen, die in einem ähnlichen Stil malten, und gaben ihnen und ihrer neuen Bewegung den berühmten Namen: Impressionismus .

Monet sagte später über das Gemälde: "Eine Landschaft ist nur ein Eindruck, ein Augenblick, daher das Etikett, das sie uns gegeben haben - und zwar meinetwegen. Ich hatte etwas eingereicht, das ich aus meinem Fenster in Le Havre gemalt hatte, Sonnenlicht im Nebel mit ein paar Masten im Vordergrund, die aus den Schiffen unter mir herausragen. Sie wollten einen Titel für den Katalog; es konnte nicht wirklich als eine Ansicht von Le Havre durchgehen, also habe ichantwortete: "Schreiben Sie Impression." Daraus entstand der Impressionismus, und die Witze vermehrten sich ...."

Der Impressionismus veränderte den thematischen Kontext in der Malerei von Grund auf. Anstatt starre und leblose Szenen darzustellen, konzentrierte er sich auf die Farbe, die Emotion und die Energie der Objekte auf der Leinwand. Und es war Impression, Sonnenaufgang, der den Stein ins Rollen brachte.

Guernica

Nachbildung von Guernica mit Mosaikfliesen

Guernica wird oft als das berühmteste Gemälde von Pablo Picasso betrachtet und ist wahrscheinlich eines seiner persönlich schmerzhaftesten Kunstwerke. Es wird weithin als eines der größten künstlerischen Anti-Kriegs-Statements angesehen, das jemals auf eine Leinwand gebracht wurde.

Picasso war entsetzt über die zufällige Bombardierung von Guernica, einer kleinen Stadt im Baskenland in Nordspanien, durch die Nazis in Zusammenarbeit mit den spanischen Nationalisten und dem faschistischen Italien. Er malte Guernica sofort als Reaktion auf die Bombardierung.

Das Gemälde ist offensichtlich ein politisches Werk, das weltweit Aufmerksamkeit auf die Ereignisse in Spanien lenkte. Heute hängt eine große Gobelin-Kopie von Guernica im Hauptquartier der Vereinten Nationen in New York City, gleich am Eingang zum Saal des Sicherheitsrats.

Obwohl nicht vollständig bestätigt, behaupten einige Diplomaten, dass das Gemälde während der Bekanntgabe der Motive und Argumente der Bush-Regierung für den Krieg gegen den Irak abgedeckt wurde, damit das Gemälde mit seiner Antikriegsbotschaft nicht im Hintergrund zu sehen ist.

Guernica befindet sich in Madrid, wo es seit Jahrzehnten ausgestellt ist und einen Wert von rund 200 Millionen Dollar haben soll.

Die große Welle vor Kanagawa

Die große Welle vor Kanagawa von Katushika Hokusai, gemeinfrei.

Die große Welle vor Kanagawa ist ein Holzschnitt des japanischen Künstlers Hokusai aus dem 19. Jahrhundert, der eine gigantische Welle zeigt, die drei kleine Boote vor der Küste in der Nähe des Fidschi-Bergs bedroht, der im Hintergrund zu sehen ist.

Einige Kunsthistoriker sind der Meinung, dass das Gemälde einen Tsunami darstellt, eine in der japanischen Kultur sehr gefürchtete Naturgewalt, aber andere behaupten, dass dies nicht die Botschaft des Gemäldes ist. Das Gemälde gilt immer noch als einer der größten, wenn nicht der größte künstlerische Beitrag Japans zur Menschheit.

Die Große Welle von Kanagawa ist auch ein Teil der Popkultur geworden und hat ihr eigenes Emoji!

Das Schwarze Quadrat

Das Schwarze Quadrat von Kasimir Malewitsch, gemeinfrei.

Das Schwarze Quadrat ist ein Gemälde von Kasimir Malewitsch, das in der Kunstwelt sowohl geliebt als auch verachtet wird. Es zeigt ein einzelnes schwarzes Quadrat auf Leinwand. Das Werk wurde 1915 auf der letzten Futuristen-Ausstellung gezeigt. Natürlich sorgte das Gemälde eines schwarzen Quadrats für viel Verwirrung in der Kunstwelt.

Malewitsch sagte, sein schwarzes Quadrat sei ein Kommentar zum Nullpunkt, zum Nichts, von dem alles ausgeht, und zum Nichts, aus dem die Schöpfung hervorgeht, indem es die Nicht-Objektivität und die weiße Leere eines befreiten Nichts darstellt.

Heute weist das Gemälde Risse auf, durch die Farben hindurchscheinen. Eine Röntgenanalyse hat ergeben, dass sich unter dem schwarzen Quadrat ein Bild befindet.

Der Kuss

Der Kuss von Gustav Klimt, gemeinfrei.

Der Kuss ist ein berühmtes Gemälde des österreichischen symbolistischen Malers Gustav Klimt und eines der bekanntesten Kunstwerke der Welt. Dieses Ölgemälde auf Leinwand ist vielleicht eine der großartigsten Darstellungen der Liebe in der Geschichte der Malerei und zeigt ein Paar, das sich in inniger Umarmung umarmt. Es markiert das Ende von Klimts Goldperiode, in der er seine Kunstwerke mit Blattgold versah.

Die gemischten Emotionen, die in dem Gemälde zum Ausdruck kommen, sind einer der Gründe für seine anhaltende Anziehungskraft, denn der Gesichtsausdruck der Frau impliziert sowohl Verlassenheit als auch Freude, Ruhe und Ekstase. Das Gewand des Mannes mit seinen geometrischen Blöcken in Schwarz und Grau impliziert seine Macht und die dominante männliche Kraft, während die weicheren Wirbel und das blumengemusterte Kleid der Frau ihre Weiblichkeit unterstreichen,Zerbrechlichkeit und Weichheit.

Das Gemälde wurde zur Inspiration des Jugendstils und gilt bis heute als Meisterwerk, insbesondere im Hinblick auf seinen Einfluss auf die Entwicklung von Kunst, Mode und Design.

Das letzte Abendmahl

Das letzte Abendmahl von Leonardo da Vinci, PD.

Das letzte Abendmahl ist ein Meisterwerk der Hochrenaissance von Leonardo da Vinci, das in Mailand gefunden wurde. Dieses Wandgemälde aus dem 15. Jahrhundert stellt das letzte Abendmahl Jesu und seiner 12 Jünger dar. Obwohl das Gemälde auf einer Wand zu finden ist, handelt es sich nicht um ein Fresko, sondern da Vinci verwendete eine innovative neue Technik, indem er Temperafarben auf den Stein der Wand auftrug.

Die Perspektive des Gemäldes macht einen Teil seines Reizes aus. Da Vinci soll ein Stück Schnur an einen in der Mitte der Wand eingeschlagenen Nagel gebunden haben, um die Linien der Tiefenschärfe zu erzeugen. Auf diese Weise konnte er eine einzige Perspektive mit Jesus als Fluchtpunkt festlegen.

Wie bei vielen seiner Gemälde hatte da Vinci auch beim Letzten Abendmahl Schwierigkeiten, das schurkische Gesicht des Judas darzustellen. Er wollte sich auf den Moment konzentrieren, in dem Jesus offenbart, dass einer seiner Jünger ihn verraten würde, und auf die schockierten Reaktionen, die auf diese Erklärung folgten. Da Vinci arbeitete jahrelang mit Unterbrechungen an dem Werk, um es zu perfektionieren.

Sonnenblumen

Sonnenblumen von Vincent van Gogh. PD.

Sonnenblumen sind ein weiteres geniales Werk des niederländischen Malers Vincent van Gogh, der 1887 eine Reihe von Sonnenblumenbildern schuf. Sein bemerkenswertestes Bild zeigt einen Strauß Sonnenblumen, die faul in einer Vase sitzen.

Wie bei den meisten seiner Gemälde ist auch die Geschichte der Sonnenblumen eher düster. Van Gogh malte sie, um seinen Malerkollegen Gaugin zu beeindrucken, der zu Besuch war. Van Gogh ging sogar so weit, eine ganze Serie von Sonnenblumen zu malen, die er in allen Lebensstadien darstellte, von der frühen Blüte bis zum Verwelken und Verfaulen. Dies ist vielleicht van Goghs bekannteste Gemäldeserie und wurde alsbahnbrechend, weil sie das Spektrum der gelben Farbtöne nutzen, das durch neu erfundene Pigmente ermöglicht wurde.

Die Sonnenblumenserie konnte das angespannte Verhältnis zwischen Gaugin und Van Gogh nicht verbessern, und ihr erbitterter Streit führte zu Van Goghs Zusammenbruch und dem tragischen Akt der Selbstverstümmelung, indem er sich sein eigenes Ohr abschnitt.

Amerikanische Gotik

Amerikanische Gotik von Grant Wood, PD.

American Gothic ist ein Gemälde des amerikanischen Malers Grant Wood aus dem Jahr 1930, das ein amerikanisches gotisches Haus und die Menschen darstellt, die nach Grants Vorstellung in solchen Häusern leben würden.

Wood stellt in seinem Gemälde zwei Figuren dar - einen Farmer, der eine scharfe Heugabel in der Hand hält, und seine Tochter (die oft fälschlicherweise für seine Frau gehalten wird). Die Figuren sind sehr markant und ernsthaft in ihrer Erscheinung und der Zeit entsprechend gekleidet, wobei die Tochter Kleidung aus dem ländlichen Amerika des 20.

Während der Großen Depression wurden die Figuren zum Sinnbild für den ausdauernden, starken amerikanischen Pioniergeist. Es gibt auch viele andere Interpretationen des Gemäldes: Einige Wissenschaftler vermuten, dass es die römischen Gottheiten Pluto und Proserpina (das griechische Äquivalent zu Hades und Persephone) darstellt, während andere spekulieren, dass es Woods eigene Eltern zeigt.

Zusammensetzung 8

Die Komposition 8 von Wassily Kandinsky ist ein Ölgemälde aus dem Jahr 1923, das eine Anordnung von Kreisen, Linien, Dreiecken und verschiedenen geometrischen Formen auf einem cremefarbenen Hintergrund zeigt, der in hellblaue Bereiche übergeht. Es gilt als eine Ode an eine universelle ästhetische Sprache, die Kandinsky zur Entwicklung seines eigenen Stils inspirierte.

Die Komposition 8 spricht in einfachen Formen und erhebt den abstrakten, avantgardistischen Stil Kandinskys, den der Maler selbst als eine seiner höchsten Leistungen bezeichnete,

Die Decke der Sixtinischen Kapelle

Die Decke der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo

Die von Michelangelo gemalte Decke der Sixtinischen Kapelle ist eines der größten Meisterwerke und ein Höhepunkt der Kunst der Hochrenaissance. Das Werk wurde von Papst Julius II. in Auftrag gegeben und zwischen 1508 und 1512 gemalt.

Die Decke ist mit mehreren Szenen aus dem Buch Genesis sowie mit Darstellungen verschiedener Päpste geschmückt. Sie ist bekannt dafür, dass Michelangelo menschliche Figuren in verschiedenen Posen darstellte und sich für nackte Figuren entschied. Dies spiegelte die spätere Entwicklung wider, in der die Nacktheit in der Malerei als Mittel zur Vermittlung von Emotionen eingesetzt wurde.

Die Sixtinische Kapelle ist eine der beliebtesten Sehenswürdigkeiten des Vatikans und zieht jedes Jahr zahlreiche Touristen an. Es ist jedoch verboten, Fotos von der Decke zu machen, da das Blitzlicht der Kameras die Kunstwerke beschädigen kann.

Die Persistenz der Erinnerung

Das Fortbestehen der Erinnerung von Salvador Dali, PD.

The Persistence of Memory ist ein Gemälde von Salvador Dali aus dem Jahr 1931, das zu einem der bekanntesten Werke des Surrealismus geworden ist und auch als "Schmelzende Uhren" oder "The Melting Watches" bezeichnet wird.

Das Werk zeigt eine surreale Szene mit mehreren Uhren, die sich in verschiedenen Stadien des Schmelzens befinden. Dali kommentiert die Relativität von Raum und Zeit, indem er die schmelzenden, weichen Uhren auf dem Gemälde darstellt. In der Mitte des Bildes befindet sich eine seltsame, monsterartige Kreatur, die von Dali oft als eine Art Selbstporträt verwendet wurde. Wenn man genau hinsieht, kann man die Wimpern, die Nase, das Auge und vielleicht die Zunge vonDie orangefarbene Uhr in der linken Ecke ist mit Ameisen bedeckt, ein Symbol, das Dali oft für den Verfall verwendete.

Einpacken

Die oben aufgelisteten Gemälde sind künstlerische Meisterwerke von beispielloser Genialität und Kreativität. Während einige von anderen geschmäht und kritisiert wurden, haben sie alle die Dogmen ihrer Zeit herausgefordert. Sie waren innovativ, zeigten menschliche Emotionen und komplexe Gefühle und Gedanken. Am wichtigsten ist, dass sie bis heute relevant sind. Welches ist Ihr Favorit?