Biorąc pod uwagę ogromny rozmiar Ameryki Północnej, opisanie tego, jak rozwijała się sztuka rdzennych Amerykanów, nie jest łatwym zadaniem. Jednakże historycy sztuki odkryli, że na tym terytorium istnieje pięć głównych regionów, które posiadają rdzenne tradycje artystyczne z cechami, które są unikalne dla tych ludów i miejsc.

Dziś omówimy, jak sztuka rdzennych Amerykanów przejawiała się w każdym z tych pięciu obszarów.

Czy sztuka każdej grupy rdzennych Amerykanów jest taka sama?

Nie. Podobnie jak to się dzieje w południowej i środkowej części kontynentu, w Ameryce Północnej nie ma czegoś takiego jak kultura panindiańska. Już na długo przed przybyciem Europejczyków na te tereny zamieszkujące je plemiona praktykowały różne formy sztuki.

Jak rdzenni Amerykanie tradycyjnie pojmowali sztukę?

W tradycyjnym postrzeganiu rdzennych Amerykanów, wartość artystyczna obiektu jest określana nie tylko przez jego piękno, ale także przez to, jak "dobrze zrobione" jest dzieło sztuki. Nie oznacza to, że rdzenni Amerykanie byli niezdolni do docenienia piękna rzeczy, ale raczej, że ich ocena sztuki opierała się przede wszystkim na jakości.

Innymi kryteriami decydującymi o tym, czy coś jest artystyczne, czy nie, może być to, czy dany obiekt może właściwie spełniać praktyczną funkcję, dla której został stworzony, kto był wcześniej jego właścicielem oraz ile razy dany obiekt był używany w ceremonii religijnej.

Wreszcie, aby obiekt był artystyczny, musiał również reprezentować, w taki czy inny sposób, wartości społeczeństwa, z którego pochodził. Często oznaczało to, że rdzenny artysta mógł używać tylko z góry określonego zestawu materiałów lub procesów, co mogło ograniczać jego swobodę tworzenia.

Znane są jednak przypadki osób, które na nowo odkrywały tradycję artystyczną, do której należały; tak jest na przykład w przypadku pueblońskiej artystki Maríi Martinez.

Pierwsi rdzenni amerykańscy artyści

Pierwsi rdzenni amerykańscy artyści stąpali po Ziemi daleko w przeszłość, gdzieś około 11000 r. p.n.e. Nie wiemy zbyt wiele o wrażliwości artystycznej tych ludzi, ale jedno jest pewne - przetrwanie było jedną z głównych rzeczy, które mieli na myśli. Można to potwierdzić obserwując, jakie elementy przyciągały uwagę tych artystów.

Z tego okresu pochodzi na przykład kość megafauny z wyrytym na niej wizerunkiem chodzącego mamuta. Wiadomo, że starożytni ludzie polowali na mamuty przez kilka tysiącleci, ponieważ zwierzęta te stanowiły dla nich ważne źródło pożywienia, odzieży i schronienia.

Pięć głównych regionów

Badając ewolucję sztuki rdzennych Amerykanów, historycy odkryli, że w tej części kontynentu istnieje pięć głównych regionów, które prezentują własne tradycje artystyczne. Te regiony to południowy zachód, wschód, zachód, północno-zachodnie wybrzeże i północ.

Regiony kulturowe mieszkańców Ameryki Północnej w okresie kontaktu z Europą. PD.

Pięć regionów Ameryki Północnej prezentuje tradycje artystyczne, które są unikalne dla zamieszkujących je grup tubylczych. W skrócie można je przedstawić następująco:

• Southwest : Ludzie Pueblo specjalizowali się w tworzeniu drobnych naczyń domowych, takich jak gliniane naczynia i kosze.
• East : Rdzenne społeczeństwa z Wielkich Równin rozwijały duże kompleksy kopców, mające być miejscem pochówku członków wysokich klas społecznych.
• West: Bardziej zainteresowani społecznymi funkcjami sztuki rdzenni Amerykanie z Zachodu malowali historyczne relacje na skórach bizonów.
• Północny zachód: Aborygeni z północno-zachodniego wybrzeża woleli rzeźbić swoją historię na totemach.
• Północ: Wreszcie sztuka z Północy wydaje się być najbardziej pod wpływem myśli religijnej, gdyż dzieła z tej tradycji artystycznej tworzone są w celu okazania szacunku zwierzęcym duchom Arktyki.

Southwest

Sztuka garncarska autorstwa Marii Martinez. CC BY-SA 3.0

Pueblo to grupa rdzennych Amerykanów zamieszkująca głównie północno-wschodnią część Arizony i Nowego Meksyku. Aborygeni ci wywodzą się z Anasazi, starożytnej kultury, która osiągnęła swój szczyt między 700 a 1200 rokiem przed naszą erą.

Przedstawiciele sztuki południowo-zachodniej, ludzie Pueblo przez wiele wieków wykonywali wspaniałe wyroby garncarskie i koszykarskie, doskonaląc poszczególne techniki i style dekoracji, które pokazują upodobanie zarówno do prostoty, jak i motywów inspirowanych północnoamerykańską przyrodą. Geometryczne wzory są również popularne wśród tych artystów.

Techniki produkcji ceramiki mogą się różnić w zależności od lokalizacji na Południowym Zachodzie, jednak to, co jest wspólne we wszystkich przypadkach, to złożoność procesu przygotowania gliny. Tradycyjnie tylko kobiety Pueblo mogły zbierać glinę z ziemi. Jednak rola kobiet Pueblo nie ogranicza się do tego, ponieważ przez wieki jedno pokolenie kobiet-garncarzy przekazywałoinne tajniki wytwarzania ceramiki.

Wybór rodzaju gliny, z którą będą pracować, to tylko pierwszy z wielu etapów. Następnie garncarze muszą oczyścić glinę, a także wybrać konkretny temperament, którego użyją w swojej mieszance. Dla większości garncarzy modlitwy poprzedzają etap ugniatania naczynia. Gdy naczynie jest już uformowane, artyści Pueblo przystępują do rozpalenia ognia (który zwykle umieszczany jest na ziemi), w celu wypalenia naczynia.Wymaga to również głębokiej wiedzy na temat odporności gliny, jej kurczliwości i siły wiatru. Dwa ostatnie etapy polegają na polerowaniu i ozdabianiu naczynia.

Maria Martinez z San Ildefonso Pueblo (1887-1980) jest chyba najsłynniejszą ze wszystkich artystek Pueblo.Prace garncarskie Marii zyskały sławę dzięki łączeniu dawnych, tradycyjnych technik garncarskich z wniesionymi przez nią innowacjami stylistycznymi.Eksperymenty z procesem wypalania i stosowanie czarno-czarnych wzorów charakteryzowały twórczość Marii.Początkowo Julian Martinez,Mąż Maríi, zdobił jej garnki aż do jego śmierci w 1943 r. Następnie kontynuowała pracę.

East

Serpent mound w południowym Ohio - PD.

Termin Woodland people jest używany przez historyków na określenie grupy rdzennych Amerykanów, którzy zamieszkiwali wschodnią część kontynentu.

Chociaż rdzenni mieszkańcy tego obszaru wciąż tworzą sztukę, najbardziej imponujące dzieła sztuki stworzone tutaj należą do starożytnych cywilizacji rdzennych Amerykanów, które rozkwitły między późnym okresem archaicznym (blisko 1000 lat p.n.e.) a okresem Mid-Woodland (500 lat p.n.e.).

W tym czasie ludność Woodland, zwłaszcza wywodząca się z kultur Hopewell i Adena (obie zlokalizowane w południowym Ohio), specjalizowała się w budowie kompleksów kopców na dużą skalę. Kopce te były bardzo artystycznie zdobione, ponieważ służyły jako miejsca pochówku poświęcone członkom klas elitarnych lub osławionym wojownikom.

Artyści z Woodland często pracowali z drobnymi materiałami, takimi jak miedź z Wielkich Jezior, ruda ołowiu z Missouri i różne rodzaje egzotycznych kamieni, aby stworzyć wykwintną biżuterię, naczynia, misy i podobizny, które miały towarzyszyć zmarłym w ich wierzchowcach.

Zarówno kultura Hopewell, jak i Adena były wielkimi budowniczymi kopców, jednak ta druga rozwinęła również lepsze upodobanie do rzeźbionych w kamieniu rur, tradycyjnie używanych w ceremoniach leczniczych i politycznych, oraz kamiennych tablic, które mogły być używane do dekoracji ścian.

Do roku 500 n.e. społeczeństwa te rozpadły się, ale wiele z ich systemów wierzeń i innych elementów kultury zostało ostatecznie odziedziczonych przez ludy Irokezów.

Te nowsze grupy nie miały siły roboczej ani luksusu niezbędnego do kontynuowania tradycji budowania wierzchowców, ale nadal praktykowały inne odziedziczone formy sztuki. Na przykład rzeźbienie w drewnie pozwoliło Irokezom na ponowne połączenie się z pochodzeniem przodków - zwłaszcza po tym, jak zostali pozbawieni swoich ziem przez europejskich osadników w okresie postkontaktowym.

West

W okresie postkontaktowym tereny Wielkich Równin Północnoamerykańskich, na zachodzie, zamieszkiwało ponad dwa tuziny różnych grup etnicznych, wśród nich Plains Cree, Pawnee, Crow, Arapaho, Mandan, Kiowa, Cheyenne i Assiniboine. Większość z tych ludzi prowadziła koczowniczy lub półkoczowniczy tryb życia, który był definiowany przez obecność bizonów.

Aż do drugiej połowy XIX wieku bizon dostarczał większości rdzennych mieszkańców Wielkich Równin pożywienia, a także elementów niezbędnych do produkcji odzieży i budowy schronień. Co więcej, mówienie o sztuce tych ludzi jest praktycznie niemożliwe bez uwzględnienia znaczenia, jakie skóra bizona miała dla artystów z Wielkich Równin.

Skóra bizona była poddawana artystycznej obróbce zarówno przez mężczyzn, jak i kobiety. W pierwszym przypadku mężczyźni wykorzystywali skóry bizonów do malowania na nich przekazów historycznych, a także do tworzenia tarcz o magicznych właściwościach, które miały zapewnić ochronę fizyczną i duchową. W drugim przypadku kobiety wspólnie wykonywały duże tipi (typowe namioty rdzennych Amerykanów), zdobione m.in.piękne abstrakcyjne wzory.

Warto wspomnieć, że stereotyp "zwykłego rdzennego Amerykanina" promowany przez większość zachodnich mediów opiera się na wyglądzie rdzennych mieszkańców Wielkich Równin. Doprowadziło to do wielu błędnych przekonań, ale jednym z nich, które w szczególności dotyczy tych ludów, jest przekonanie, że ich sztuka koncentruje się wyłącznie na sprawności wojennej.

Takie podejście zagraża możliwości dokładnego zrozumienia jednej z najbogatszych rdzennie amerykańskich tradycji artystycznych.

Północna

W Arktyce i Subarktyce ludność tubylcza angażowała się w praktykę różnych form sztuki, przy czym chyba najbardziej delikatne było tworzenie precjozów w postaci odzieży myśliwskiej i sprzętu myśliwskiego.

Od czasów starożytnych religia przenika życie rdzennych Amerykanów zamieszkujących Arktykę, wpływ ten jest również wyczuwalny w dwóch innych głównych formach sztuki uprawianych przez tych ludzi: rzeźbieniu amuletów i tworzeniu masek rytualnych.

Tradycyjnie animizm (wiara w to, że wszystkie zwierzęta, ludzie, rośliny i przedmioty mają duszę) był podstawą religii wyznawanych przez Inuitów i Aleutów - dwie grupy stanowiące większość rdzennej ludności Arktyki. Wywodząc się z kultur myśliwskich, ludy te wierzą, że ważne jest, aby udobruchać i utrzymać dobre relacje z duchami zwierząt, więcnadal współpracowałby z ludźmi, umożliwiając tym samym polowania.

Jednym ze sposobów, w jaki Eskimosi i Aleuci tradycyjnie okazują swój szacunek tym duchom, jest noszenie ubrań ozdobionych delikatnymi wzorami zwierzęcymi. Przynajmniej do połowy XIX wieku wśród plemion arktycznych panowało powszechne przekonanie, że zwierzęta wolą być zabijane przez myśliwych noszących zdobione stroje. Myśliwi uważali również, że włączając motywy zwierzęce do swoich ubrań myśliwskich,moce i ochrona duchów zwierząt zostałyby im przekazane.

Podczas długich arktycznych nocy rdzenne kobiety spędzały czas na tworzeniu atrakcyjnych wizualnie ubrań i przyborów myśliwskich. Arktyczki wykazywały się jednak kreatywnością nie tylko przy tworzeniu swoich pięknych projektów, ale także w momencie wyboru materiałów do pracy. Arktyczne rzemieślniczki tradycyjnie używały szerokiej gamy materiałów zwierzęcych, począwszy od skór jeleni, karibu i zajęcy, a skończywszy naskóra łososia, jelito morsa, kość, poroże i kość słoniowa.

Artyści ci pracowali również z materiałami roślinnymi, takimi jak kora, drewno i korzenie. Niektóre grupy, takie jak Kreowie (rdzenni mieszkańcy północnej Kanady), aż do XIX wieku używały do produkcji swoich palet również pigmentów mineralnych.

Wybrzeże północno-zachodnie

Północno-zachodnie wybrzeże Ameryki Północnej rozciąga się od rzeki Copper w południowej Alasce do granicy Oregonu i Kalifornii. Rdzenne tradycje artystyczne z tego regionu mają długą historię, ponieważ rozpoczęły się około 3500 roku p.n.e. i rozwijały się niemal nieprzerwanie na większości tego terytorium.

Archeologiczne dowody wskazują, że do 1500 r. p.n.e. wiele grup rdzennych Amerykanów z całego tego obszaru opanowało już takie formy sztuki jak koszykarstwo, tkactwo i rzeźbiarstwo w drewnie. Jednakże, mimo że początkowo wykazywali oni duże zainteresowanie tworzeniem małych, delikatnie rzeźbionych figur, figurek, misek i talerzy, z czasem ich uwaga zwróciła się w kierunku produkcji dużych słupów totemowych dlaz których tak znane jest północno-zachodnie wybrzeże.

Aby zrozumieć, dlaczego doszło do tej zmiany, trzeba najpierw wiedzieć, że społeczeństwa rdzennych Amerykanów, które rozwinęły się na północno-zachodnim wybrzeżu, miały bardzo dobrze zdefiniowany system klasowy. Co więcej, rodziny i jednostki, które znajdowały się na szczycie drabiny społecznej, nieustannie poszukiwały artystów, którzy mogliby stworzyć imponujące wizualnie dzieła sztuki, służące jako symbol ich bogactwa imoc. To także dlatego słupy totemowe były powszechnie wystawiane przed domami należącymi do tych, którzy za nie zapłacili.

Słupy totemowe były zazwyczaj wykonane z bali cedrowych i mogły mieć nawet 60 stóp długości.Zostały one wyrzeźbione techniką znaną jako formline art, która polega na rzeźbieniu asymetrycznych kształtów (owalnych, form U i form S) na powierzchni kłody.Każdy totem jest ozdobiony zestawem symboli, które reprezentują historię rodziny lub osoby, która jest jego właścicielem.Warto zauważyć, że pomysł, żetotemy powinny być uwielbiane jest powszechnym błędnym przekonaniem rozpowszechnianym przez nie rdzennych ludzi.

Społeczną funkcję totemów, jako dostarczycieli przekazów historycznych, najlepiej widać podczas obchodów potlatches. Potlatches to wielkie uczty, tradycyjnie obchodzone przez rdzennych mieszkańców północno-zachodniego wybrzeża, podczas których publicznie uznaje się władzę pewnych rodzin lub jednostek.

Co więcej, według historyków sztuki Janet C. Berlo i Ruth B. Phillips, to właśnie podczas tych ceremonii historie przedstawiane przez totemy "wyjaśniają, zatwierdzają i reifikują tradycyjny porządek społeczny".

Wniosek

Wśród kultur rdzennych Amerykanów docenianie sztuki opierało się raczej na jakości niż na aspektach estetycznych. Sztuka rdzennych Amerykanów charakteryzuje się również praktycznym charakterem, ponieważ wiele z dzieł sztuki tworzonych w tej części świata było uważanych za używane jako przybory do zwykłych codziennych czynności, a nawet w ceremoniach religijnych.